三大构成课程的包括什么?三大构成的学习重点是什么?需要掌握什么?
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三大构成课程简介及课程大纲（附作品）一、 平面色彩构成课程简介及大纲1、本课程发展的主要历史沿革
视觉构成关系训练是所有各类设计的基础,这在全世界的设计教育基本取得了共识,这种训练就是时下在各个办有设计类专业的院校对低年级学生所开的平面构成,色彩构成,立体构成“三大构成课”.这些课程作为设计类专业的共同性专业基础课,是在上个世纪20—30年代在德国包豪斯奠定的.这个课程体系经过在二战前包豪斯的开拓,二战中在美国的实践和战后德国的乌尔蒙设计学院的进一步发展,而成为今天在全世界范围内大多数工业设计教育院校的专业基础训练的基本模式.
在我国,由于特殊的政治、文化和经济背景,真正意义的现代设计一直到1979年改革开放后才开始起步；而有关包豪斯设计教育的系统性介绍首先是从日本人的书籍“转口”引进的,特别是三大构成方面的著作一开始差不多都是日本人编写的,而且相当一部分书籍是经台湾翻译的日文著作介绍进来的,甚至至今这些书籍在我国设计教育界都颇有影响,例如朝仓直已的两本构成著作,几乎成了许多教构成课的教师手中的主要教学参考书籍.因此,近来设计教育界不少人对此作了一些反思,认为,我国设计领域对包豪斯的接受,与其说是深层次设计理念的需要,不如说是设计教育从工具性层面上求变的一种行为.由此一来,“三大构成”几乎成了包豪斯的同义语,在许多人的心目中,包豪斯就是“三大构成”,“三大构成”就是包豪斯.这不仅阻碍了人们去理解现代主义设计科学理性的精神内核；而且使“三大构成”课教学目的和宗旨也迷失在图像形态的技术性抽象化和构成化的变幻之中. 2、理论课和理论（含实践）课教学内容 （一） 课程定位与课程目标 通过此课程让学生利用手绘及电脑作为表达媒介,进行平面构成与色彩构成的学习.培养学生的造型创造能力、形与色调和能力、鉴赏能力与表达能力.掌握平面构成与色彩构成的基本原理,认识形与色的体系,实验构成的思维方法、配色方法及表现方法,并通过完成构成作业,创新构成形式. 通过教学,扩大了学生的专业视野,对新的设计基础观产生了正确的认识,逐渐实现“厚基础、宽口径”的课程战略思想.培养基础较为扎实,善于创新,掌握实际技能的应用型设计人才. （二） 知识模块顺序及对应的学时 绪论：构成——现代设计的造型基础训练第一部分：视觉传达设计基本原理 第一章 造型与构成法则——平面设计的形式美学原理第二章 色彩设计原理第三章 图形知觉心理学 第二部分 媒介与技法 第四章 色彩材料、纸张与表面、绘图工具、制作工具与材料第三部分 课程作业体系第五章 基本色彩练习作业（A-1—A6）6项作业 第六章 黑白平面构成作业（B1—B19）19项作业 第七章 综合平面构成作业（C1——C8）8项作业 （三） 课程的重点、难点及解决办法 1、 重点： 对几何抽象图形的认识及思维转换,对视觉元素的提取,对形式美法则（秩序、运动、发散、均衡、渐变等）的掌握,从而培养学生的创造性思维的能力. 2、 难点： 规律与法则容易混淆,启发学生认识每项作业的构成原理,克服将规律具体方法在操作层面上的法则相混淆的毛病.无法脱离具像思维模式,抽象思维能力欠缺. 3、 解决方法： 教师通过示范对学生形象的讲解从几何学的观点认识物体结构的解析性观察方法,并进一步启发学生培养从具体物体抽取形式的能力. 3、实践（验）课教学内容 （一）课程设计的思想、效果以及课程目标 对几何抽象图形的认识及思维转换,对视觉元素的提取,对形式美法则（秩序、运动、发散、均衡、渐变等）的掌握,从而培养学生的创造性思维的能力. 通过教学,扩大了学生的专业视野,对新的设计基础观产生了正确的认识,逐渐实现“厚基础、宽口径”的课程战略思想. （二）课程内容 课程作业体系基本色彩练习作业（A-1—A6）6项作业 黑白平面构成作业（B1—B19）19项作业 综合平面构成作业（C1——C8）8项作业 （三）课程组织形式与教师指导方法 组织形式的多样化：在课程标准的要求下,以系列课题的方式建构出“一体化课程”,以课题之间的串联关系形成内部结构,将一定的内容——知识以课程的方式进行逻辑组织.讲授理论,课题作业,案例详解；启发式、提问式、辨析式、讨论式、反思式、变异式等； 发挥每个教师的教学方法和思想上创造性,不断革新教学思想,引进新思维. （四）考核内容与方法 作业和理论知识点测试相结合. 平时成绩和测试占课程的总成绩70%. 理论测试占课程的总成绩30%. （五）实践教学的设计思想与效果 设计思想： 对几何抽象图形的认识及思维转换,对视觉元素的提取,对形式美法则（秩序、运动、发散、均衡、渐变等）的掌握,从而培养学生的创造性思维的能力. 教学效果： 在转换学生的非专业视觉习惯,使学生尽快进入专业设计的视觉思维方面起到了较明显的作用. 4、教学方法与教学手段 （一）教学方法： 本课程通过讲授理论、课题分析、案例详解等诱导学生自主独立的进行习题的创作和制作,但在实际授课的过程中,绝不按部就班,而是通过灵活多变的教学形式来进行知识的传授. （二）教学手段： 在课程讲授的过程中,基本上是通过多媒体课件、电子教案、录象、幻灯、投影等辅助工具来直观的将课程知识传输给学生,同时,本课程与实践相结合,辅导学生制作平面与色彩纸质实体,使得理论和实践紧密结合. 5、教学改革、教学研究成果及其解决的问题 近几年来通过多次教学研讨和改革,统一了教学的指导思想.把专业基础理论与专业技能培养紧密结合,从设计思维方法抓起,突出艺术设计专业的特点,结合不同专业即将开设的专业课程需求,按照平面、环境、动画艺术等不同专业的特性来针对性教学.采用灵活多样的教学方法,加强平面与色彩构成的技能训练.通过技能操作和理论考试的改革,使同学们在认识、理解构成原理的基础上将其应用在作业中,并为以后的专业课打下基础.强化学生基础作业练习,经过这几年来的教学实践,并结合学生的学习热情、学习积极性和所取得的成绩来看,学生积极性空前高涨,学习热情很高,教学效果良好. 6、本课程的创新与特点 1、以强化构成原理的理论知识教学来克服这门课普遍流于盲目堆砌作业,迷失培养目的弊病. 2、本课程的理论教学部分有较深厚扎实的自己的研究著作为后盾,同时针对高职教育的对象,在深度与份量上作了恰当的审度,使大纲在理论知识点教学,媒介工具层面知识教学和作业实践性教学上层次清楚,课时分配合理,教学活动组织秩序井然有序. 3、作为课程主体的作业体系充分体现了这门课的实践性特点,目的明确.而且作业题型丰富,并体现了与不同专业的结合,继而具有较灵活的选择性. 4、本课程除在规范教学大纲上有自身特色外,配合大纲的教学实施,还对关键性章节和重点性作业,另备有指导性的基础教案,对其教学目的、重点、难点及所强调的关键性问题进行了介绍和解释；重视媒介工具层面的教学,并有较详尽的教学大纲和作业体系的支持,这对当前设计专业类学生的当前状况针对性较强. 5、重视媒介工具层面的教学,并有较详尽的教学大纲和作业体系支持,这对当前设计专业学生的生源状态针对性极强.二、 立体构成课程简介及大纲（一）课程性质、教学目的、任务和教学基本要求1.课程的性质、教学目的：《立体构成》是广播电视大学美术教育专业、装饰艺术设计专业开设的一门重要的造型艺术专业基础课程.开设《立体构成》课程的目的,在于培养学生正确的理性艺术思维方法,丰富学生的艺术表现手段,并通过一定数量的立体构成设计造型训练,增强学生的空间意识,掌握形式美的构成原则.为学生今后在空间艺术设计造型方面打下一定的基础,提高学生的形象思维能力、设计创造能力和艺术思维能力.2.教学任务和教学基本要求：《立体构成》课程基本的教学任务,在于指导学生通过一定数量的立体构成设计练习,掌握立体构成设计的基本技能,并在练习的基础上掌握形式美的基本法则,掌握立体构成的各种基本表现手法.本课程要求将形体分解为点、线、面等要素,从简单到复杂地研究这些要素以及它们之间的相互关系,并能按照一定的形式美的构成原则使用各种基本材料,将造型要素组成新的立体.《立体构成》是现代造型设计教学训练的基础课程之一,它与平面构成不同,侧重于对学生空间意识或空间直觉的培养,要求能通过抽象的立体形态体现形式美的法则,提高学生的形象思维能力和设计创造能力.（二）本课程与相关课程的衔接、配合关系在美术类专业开设的诸多美术课程中,《立体构成》应在学生学习了《平面构成》课程之后开设.这两门构成课程都是对学生进行造型训练的课程,它们是现代造型设计教学训练的基础,这些构成的基本法则在工业设计、建筑设计、商业美术设计等领域都有着广泛的应用.（三）教学方法和教学形式的建议立体构成设计主要从抽象的点、线、面、体形态入手,培养学生的空间概念和空间感觉,以及在立体构成形态方面的创造性.教师在教学中要充分利用教科书中的立体构成作品范例,要通过这些范例作品,讲解有一定抽象性的立体构成形式要素等内容.必要时还要用教师自己制作的立体构成作品辅助讲解,以帮助学员理解抽象的内容.本课程的教学还需要通过一定数量的立体构成设计制作练习,帮助学生逐渐掌握基本的立体构成设计规律.在制作立体构成作品所用的材料方面,可以尽量使用简便易寻的材料,如硬纸、塑料吸管等等,使学员能够在教师的指导下通过较多的立体构成设计练习,掌握规律.达到增强学员空间意识和空间感觉,提高学员立体构成创作意识的目的.大纲本文第一章
立体构成之理念Ⅰ•教学目的与要求了解立体构成学科产生的沿革,了解学习立体构成课程的意义.第二章
构成要素Ⅰ•教学目的与要求1.理解点、线、面、体是构成的基本元素2.了解立体构成中的点、线、面、体与几何学中的点、线、面、体的差异,以及它们与平面构成中点、线、面、体的差异.3.了解色彩是立体构成中十分重要的要素,了解构成中物体本色的应用及人为处理色的应用.4.了解肌理的概念和肌理的运用.5.了解立体构成中空间的概念,了解空间与形体的联系.Ⅱ•教学内容1.关于点、线、面、体2.关于色彩3.关于肌理4.关于空间第三章
形式要素Ⅰ•教学目的与要求1.理解单纯化与经济化是立体构成的一个基本原则.2.理解对比与调和的概念,了解立体构成中主要的对比与调和关系.3.理解对称与均衡的概念,理解二者在立体构成中的作用.4.理解稳定与轻巧的概念,了解在立体构成中影响稳定与轻巧的主要因素.5.了解比例的概念和比例的法则,着重了解黄金分割比的概念和应用.6.了解节奏与韵律的概念,了解韵律的主要表现形式.7.了解立体构成能够通过人们的联想产生某种意境的作用,8.了解立体构成中多样与统一的应用.Ⅱ•教学内容1.单纯与经济2.对比与调和3.对称与均衡4.稳定与轻巧5.比例与习惯6.节奏与韵律7.联想与意境8.多样与统一第四章
材料要素Ⅰ•教学目的与要求1.了解材料的分类.2.材料的力学特性的有关内容不作为本课程要求的内容.3.了解新材料的作用,了解新材料在立体构成中的应用.了解立体构成练习中使用最多的材料.Ⅱ•教学内容1.材料分类法2.材料的力学特性3.寻找新材料4.不要忘记最简便、基本的材料第五章
技术要素Ⅰ•教学目的与要求了解立体构成技术制作的主要步骤.Ⅱ•教学内容1.创意2.计划3.图样4.选材5.测量和放样6.初加工7.精加工8.成型9.组接10.抛光11.上色第六章
练习程序Ⅰ•教学目的与要求1.掌握二点五维立体构成的制作,特别是纸质二点五维立体构成的制作.2.了解线立体构成的制作.3.理解面立体构成的概念,掌握纸质面立体构成的制作.4.了解块立体构成,线、面、块综合构成及其它立体构成.Ⅱ•教学内容1.二点五维构成2.线立体构成3.面立体构成4.块立体构成5.线、面、块综合构成6.其它立体构成立体构成是现代设计领域中一门基础造型课,也是一门艺术创作设计课.在立体造型中首先需要明确一个概念,即形态与形状的区别,平面造型中我们称平面的行为形状,这个形状是物象的外轮廓.在立体造型中形状是指立体物在某一距离、角度、环境条件下所呈现的外貌,而形态是指立体物的整个外貌.即形状是形态的诸多面向中的一个面向,形态则是诸多形状构成的统和体.形态是立体造型全方位的印象,是形与神的统一.
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第二章 立体构成的美学要素,第一节 对比与调和
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我们根据人类美感的共通性可以定出十个美的原则：连续、渐变、对称、对比、比例、平衡、调和、律动、统一、完整。 　　(一)连续 　　连续是一种没有开始、没有终结、没有边缘的严谨性秩序排列，它只是反复的一种特殊情形，因此有规律的反复并不一定能产生连续。连续是无限地扩张，它可超越任何架框限制。连续包括二方连续和四方连续。 　　二方连续是单位形向左右或上下作反复的规律式排列。它可作直线方向、曲折式、波浪式的方向延申。 　　四方连续是单位形向左右也向上下延申的现象，可产生四方连续的图形。由二方连续造成的线条加上左右上下反复的排列，是创作四方连续图形的方法之一。 　　(二)渐变 　　渐变就是逐渐的改变，其有一定的秩序与规律。渐变除形状渐变外，尚有大小渐变、色彩渐变、位置渐变和方向渐变等等，均可单独或混合运用。任何构成元素之渐变，都有其开始与终结，或由一方开始，经渐变又回复原来的循环现象。例如形状渐变，可从某一形状开始，逐渐变化成为另一形状，或由另一形状又逐步回复到某一形状。无论是开始或终结，在渐变的设计中均可成为设计上的焦点，且在开始与终结的整个重复过程中，均会造成节奏感。渐变形成的方式可由上而下、由左而右、或由中央发射、或作多元化的发展。 　　渐变的表现形式包括： 　　(1)形状之渐变、(2)大小之渐变、(3)自然形象之渐变、(4)方向之渐变、(5)位置之渐变、(6)色彩之渐变。 　　(三)对称 　　视觉上，以一个点或一条线为基准，上下或左右看起来相等的形体，称为对称。对称具有相称、均齐、均整的意思。左右对称的形体向来都被认为是安定且具有机能的。 　　对称的表现形式包括： 　　(1)线对称、(2)点对称、(3)感觉对称。 　　通常对称的图形具有单纯简洁的美感，以及静态的安定感，但易流于单调、呆板。一般来说，单纯的对称图形具有大方、强力的性格；细密的对称图形则能增加作品的充实感。许多商品设计即运用此特性而设计。 　　(四)对比 　　将相对的要素配置一起，相互比较，以形成二种抗拒的紧张状态，称为对比。这种造成相对排斥性质的要素，即一般所谓的对比要素。 　　对比要素包含的范围非常广泛，举凡造形、色彩、质感、方向、面积等均属之。圆形、三角形、方形是属于造形的对比，例如红砖、金砖两者具有相同的造形，而其质感因明显的不同，具有对比的性质。对比现象的强弱与否，端赖对比要素的配置关系而定。一般而言，不同的要素结合在一起，彼此刺激，会产生对比的现象，使强者更强、弱者更弱、大者更大、小者愈小。亦即经由对比的关系可以增强个别要素所具有的特性。 　　对比的表现形式包括： 　　(1)线形的对比、(2)形状的对比、(3)份量的对比、(4)明度的对比、&(5)彩度的对比、(6)色相的对比 　　(7)质地的对比、(8)动态的对比、&(9)位置的对比、(10)其它的对比。 　　(五)比例 　　在造型上所谓的比例乃是指长度或面积等属于量度之间的一种比率，它描述的是部份与部份；或部份与全体之间的关系。 　　在人类的历史中，比例一直是被运用在建筑、家俱、工艺以及绘画上。尤其是希腊、罗马的建筑中比例被当是一种美的表征。除了建筑之外，有几个理想的比例，古代的学者就把它公式化，而作为设计的基本原理，以便求得统一与变化。其中最基本并且最重要的比例就是黄金比例。 　　古希腊人把黄金比例认为是最完美的比例而活用时造型中。它的基本方法是把一条线分割成大小两段，小线段与大线段之长度比等于大线段与全部线段之长度比。这种比例分割方法就是黄金比例。 　　(六)平衡 　　平衡是指两个力量相互保持的意思，也就是说把两种以上的构成要素，互相均匀地配置在一个基础的支点上，以保持力学上的平衡而达到安定的状态。 　　在造形的秩序中，平衡是极重要的一项。由于造形的作品，并不是真正讲究实际的重量关系，所以平衡一词，在平面造形的世界中，应当是属于视觉的平衡。这和力学的平衡、数学的平衡以及其它学科中所讲的平均是不一样的。 　　对平衡来说，有对称和非对称平衡之分。在平衡的练习中，着眼点在于如何求得视觉上的安定与心理上的平衡。例如形态、色彩、材质在画面中所具有的重量、大小、明暗、色彩、强弱、质感．．．等，都必须保持平衡状态，才会令人产生安定的感觉。 　　(七)调合 　　当两种构成要素共同存在时，若成相差距过大，即造成对比。若两种构成要素相近，则对比刺激变小，能产生共同秩序使两者达到调和的状态。如黑与白是一种强烈对比的颜色，而存于其间的灰色便是两者的调和。 　　调和在视觉上可使我们产生美感。因此，调和的原则一直是人们关心的课题，尤其是色彩或造形皆是须不断探讨的问题。然而为了达到调和，各要素间的统一仍是必要的；如色相的配合、调子的配和以及明度的配合，皆能产生调和。在造形上如线的粗细与形的大小均会影响，但只要在造形上能一致的话，也可产生调和感。 　　调和要素除了色彩与造形外，质感也是相当重要的因素。如以同材质作为建筑物或庭园设计的材料，也是获得调和的方法之一。 　　(八)律动 　　凡是规则的或不规则的反复和排列，或属于周期性、渐变性的现象，均是律动。它给人具有抑扬顿挫而又有统一感的运动现象。一般说来，律动和时间的关系密切，因为在其它具有时间性的艺术领域中，均能表现律动美，如音乐、舞蹈、电影、戏剧、诗歌等。以音乐来说，利用时间间隔会使声音的强弱或高低表现出律动美，而呈现抑扬顿挫的变化。　而在我们的生活环境中，四季的变化、植物的成长、动物的运动以及各种生理反应等都存在着律动的现象。此外自然界中的海浪、沙丘、麦浪、炊烟、屋瓦等形象，亦具有连续发展的反复，并呈现出视觉的一种律动美。 　　(九)统一 　　结合共同的要素，把相同或类似的形态、色彩、肌理诸要素作秩序性或画一性的组织、整理，使之有条不紊而相互发生关连或共通的作用，是为统一。 　　统一是美好的根本秩序。一般说来，统一可表现高尚权威的情感，也可以达成如平衡及调和的美感。然而过份的统一，将会失去生动而流于呆板。例如大小形态、色彩完全相同，且作等距离排列时，便会产生单调的感觉.所以在讲究统一的同时，还须要注意到变化的问题。变化也是美的形式之一，所谓变化是在异质的诸要素中求变化。换句话说，即是将不同的形态、大小、色相、明度、彩度、方向、肌理作有机性的组织使之生动、活泼而不流于紊乱，才是适切的变化。 　　(十)完整 　　任何一件艺术作品，不论运用了那一种美的原则，或经过多么复杂的创作过程，艺术家到作品完成的那瞬间追求的是作品的完整性。完整性依人类的感觉、需求的不同分为感官方面(包括各种知觉)、意念方面、功能方面。譬如一出好的戏剧演出，除了带给观众视觉和听觉方面的完整性外，也会为观众提供剧作家想表达的一个完整的创作意念。
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表现派是个复杂的文艺流派，它的成员包括不同倾向和思想倾向的青年知识分子。他们对资本主义社会的都市文明不满，对文明压制人性和个性反感。对表示同情，对保守的传统艺术表示反抗，要求艺术革新。他们从原始的社会、文明寻求精神安慰，并从东方和非洲艺术中吸收营养。表现派的美术家们是从后印象主义演变、发展而来，是对印象主义忠实地描绘现实的悖逆。他们反对忠实于自然的客观再现的态度，反抗印象主义，同时又受巴黎野兽派运动的刺激。此派承继了中古以来德国艺术中重个性、重感情色彩、重主观表现的特点。在造型上追求强烈的对比、扭曲和变化的美。
同时，19世纪末，的一些哲学家、美学家的理论，也曾经对表现主义运动起了推动作用。K·菲德勒提出了在文艺中创造个性的课题，认为形式产生于内容和主题，并且和内容与主题难以区分开。他还把艺术品的产生看作是作者的内在的需要。T·利普斯把前人提出的移情说加以新的解释和发展，认为审美快感的特征在于对象受到主体的“生命灌注”，从而为表现主义奠定了美学基础。W·沃林格认为，真正的艺术在于满足各个时代人们心中所存在的心理的需要。他说，“美术品可以是一种独立自由的有机体，和自然并存而在最终本质上又与自然毫不相干”；他还提出了艺术创造活动中“抽象的趋势”的学说，为抽象主义的理论寻找美学的根据。在这些理论影响下，此派的画家强调艺术的表现力和形式的重要性，主张绘画不是机械的模仿现实，而是表现“精神的美”和“传达内在的信息”。认为艺术创作以精神为主，自然——包括眼睛所见的自然外形、感觉的现象等都是次要的。他们认为艺术的表现，绝非印象派的偶然性，而是绝对性、必然性，直入内在的真实。
他们的作品，不是视野世界的印象，而是强烈的表现出人性赤裸的主观状态，挣脱一切外形和自然的约束，以精神的体验，含蕴神秘性与宗教热忱，达到忘我的状态之呈现。因此，他们的画面多趋于浪漫的倾向，采用少数的强烈色彩对比效果。着色单纯，构图亦于紧密形式中追求单纯化。
直接对表现派产生影响的是画家E·蒙克，他的作品引起了一群年轻画家的极大兴趣。被称为表现主义先驱的是C·罗尔夫斯、L·科林特和E·诺尔德。接近表现派画风，且十分狂热的还有法国画家M·弗拉曼克。他们是从写实主义、印象主义和后印象主义的影响走向表现主义的艺术家，在作品中注意表现主观的内心感受，追求强烈的形式感。&&&
表现派18世纪法国启蒙主义哲学家D·狄德罗在《关于演员的是非谈》一文中，谈到演员表演时，主张刻苦钻研人物性格，创造“理想典范”，在每次公演时，演员应准确地像一面镜子那样把这典范形象真实地重现在舞台上。他反对演员只凭天赋和敏感，主张冷静和判断力，依靠对四周物质世界与精神世界的现象进行勤勉的观察，并用心模仿自然。19世纪法国演员哥格兰继承并发展了狄德罗的观点，在《演员的》一文中提出了“两个自我”论，认为第一自我的演员始终冷静地随心所欲地控制着自己的创造物第二自我，不论角色应如何激动，演员“在竭尽全力、异常逼真地表现情感的同时，应当始终保持冷静，不为所动”，不能让角色“拐跑”。他认为第一自我是扮演者，是灵魂；第二自我是工具，是声音和肉体。因此他主张演员要把工具锻炼得像雕塑家手里的一堆柔软的粘土，可以让扮演者随心所欲地捏成各种形状。他非常强调演员创造人物性格，要求演员钻研剧本，理解角色，不仅外形相似，还要像角色那样“走路、谈话、倾听”，用属于角色的“那种脑筋来思想”。他的名言是“艺术不是‘合一’，而是‘表现’！”因而被称为表现派。
戏剧表演艺术学派之一。18世纪法国启蒙主义哲学家狄德罗在《关于演员的是非谈》一文中，谈到演员表演时，主张刻苦钻研人物性格，创造“理想典范”，在每次公演时，演员应准确地象一面镜子那样把这典范形象真实地重现在舞台上。他反对演员只凭天赋和敏感，主张冷静和判断力，依靠对四周物质世界与精神世界的现象进行勤勉的观察，并用心模仿自然。19世纪法国演员哥格兰继承并发展了狄德罗的观点，在《演员的双重人格》一文中提出了“两个自我”论，认为第一自我的演员始终冷静地随心所欲地控制着自己的创造物第二自我，不论角色应如何激动，演员“在竭尽全力、异常逼真地表现情感的同时，应当始终保持冷静，不为所动”，不能让角色“拐跑”。他认为第一自我是扮演者，是灵魂；第二自我是工具，是声音和肉体。因此他主张演员要把工具锻炼得象雕塑家手里的一堆柔软的泥土，可以让扮演者随心所欲地捏成各种形状。他非常强调演员创造人物性格，要求演员反复钻研剧本，要清楚地理解角色并“看到它的应有形状”，然后依据这个形象构思去进行塑造，不仅外形相似，还要能象角色那样“走路、谈话、倾听”，用属于角色的“那种脑筋来思想”。他的名言是：“艺术不是‘合一’，而是‘表现’！”因而被称为“表现派”。
表现派的第一个社团是桥社，1905年成立于。它的发起者和主要成员是E·基希纳、E·黑克尔、K·施密特—罗特卢夫、O·米勒、M·。这群年轻人在德勒斯登组成“桥社”，宣扬表现派绘画主张。他们凭着乐观主义的热情和一种改革社会和艺术的信念，试图建立一个把生活和创作融合在一起的社团。他们提出到工人区体验工人的纯朴感情，对雇请的模特儿采取平等的态度；宣传艺术不只是具有自身的独立价值，而且还有为了人生、满足生存需要的目的主张创作者与欣赏者处于平等的地位。桥社的画家们早期主要画风景和裸体用写生直接抒发感情。桥社虽于1913年因内部意见不同而解体，但对德国表现主义运动起了重要的推进作用。
第二个社团是青骑士社。组织者是从分离派中分裂出来的、来自俄国的w·康定斯基。他于1909年成立了慕尼黑新美术家协会，不久又脱离该会，以与共同主办的刊物《青骑士》为据点，团结一批激进的青年艺术家，参加的有A·马克、H·坎彭东克、G·明特尔、P·克利和著名作曲家A·勋伯格。在青骑士社举办的展览会上陈列作品的，还有桥社的成员和法国野兽主义立体主义的画家。1913年支持表现主义运动的瓦尔登的狂飙画廊，仿效法国举办了第一次德国秋季沙龙，陈列了包括青骑士成员在内的欧洲各国流派的作品。“青骑士”最杰出的画家康定斯基，是表现主义的理论与信念最彻底的实行者。他追求至纯的艺术，以抽象的色点及线条的律动在画布上作交响乐般的表现，脱离对象及观点，如同音乐最高的境界，以音律调和，传递出非言语所能说明的精神状态。他认为绘画没有理由固执于外在自然的再现，而应以形和色的组合、调和，达到最高、至纯的境界。康定斯基最早的，可能也是最好的作品以有力的节奏和松散的生物形状为特征，那些形状有一种极为天然的感觉。此外，柯克西卡、配比修米特·罗特鲁夫、、克利、、白克曼等都是表现派的重要代表画家。第一次世界大点后，青骑士社中止了活动，但西方各国1910年以来的艺术变革，无一不和它有一定的联系。
《生命之舞》，蒙克作
二十世纪初在德国、首先产生了表现主义的绘画、音乐和。
表现主义者认为艺术任务在于表现个人的主观感受和体验。例如，画家心目中认为天空是蓝色的，他就会不顾时间地点，把天空都画作蓝色的。绘画中的马，有时画成红色的，有时又画成蓝色的，一切都取决于画家主观的“表现”的需要，他们的目的是引起观者情绪上的激励。
在这种艺术观点的影响下，第一次大战后出现了一些表现主义的建筑。这一派建筑师常常采用奇特、夸张的建筑体形来表现某些思想情绪，象征某种时代精神。德国师孟德尔松（Eric Mendelsohn，）在二十年代设计过一些表现主义的建筑。其中最有代表性的是年建成的德国波茨坦市爱因斯坦（Einstein Tower，Potsdam）。
有个表现派的建筑在内部天花上做出许多下垂的卷券形花饰，使观众感到如同坐在挂满石钟乳的洞窟之中，有个轮船协会的大楼上做出许多象征轮船的几何图案。荷兰表现派的住宅建筑甚至把外观处理得使人能联想起荷兰人的传统服装和森砂鞋子，表现派建筑师主张革新，反对复古，但他们是用一种新的表现面的处理手法去替旧的建筑样式，同建筑技术与功能的发展没有直接的关系。它在战后初期时兴过一阵，不久就消退了。
《呐喊》，蒙克作
爱德华蒙克
画家爱德华蒙克（EdvardMunch，），堪称二十世纪表现主义艺术的先驱。他出生于挪威洛顿。童年时父母双亡的经历在其心灵深处打下不可磨灭的印记。这使他早年画下了许多以疾病与死亡为主题的作品。他曾在克里斯蒂安尼（今奥斯陆）工艺美术学校学习，1885年第一次旅法，学习印象派的画风，后又受到高更、劳特累克及“新艺术运动”的影响，导致了其画风的重大变革。1892年他应邀参加柏林艺术家协会的展览，由于形象怪异，其作品在德国引起激烈反响，画展只开了一周即关闭了。为此，以利伯曼为首的自由派退出艺术家协会，成立了。这一行动使蒙克大受鼓舞，从此在德国定居下来，直到1908年。这16年是蒙克艺术发展的重要阶段，也是其艺术臻于成熟的时期。他在忧郁、惊恐的精神控制下，以扭曲的线型图式表现他眼中的悲惨人生。他的绘画，对于德国表现主义艺术产生了决定性的影响，他成了“桥派”画家的精神领袖。评论家指出：“蒙克体现了表现主义的本质，并在表现主义被命名之前就彻底实践了它。”
，思索尔作
画家思索尔（JamsEnsor，）通常被归人早期表现主义画家之列。他继承了北欧浪漫主义绘画传统，在尼德兰艺术全盛时期的画家博希和布鲁盖尔艺术中，汲取辛辣讽刺的成分。他将那种从象征派及印象派那里学来的方法，与他特有的题材相结合，从而形成了其独特的，以怪诞和恐怖为特征的表现主义风格。思索尔出生于比利时奥斯顿德。父亲是人，母亲有佛兰德斯。除了在布鲁塞尔求学外，他一生从未离开过奥斯顿德。他在绘画上，贯于描绘人间喜剧或人间悲剧，描绘狂欢节场面及带面具者、丑角等。其画中人物神情僵硬而形容枯槁，形象怪诞、慑人。他以辛辣笔调，将人类卑下的本性刻画得入木三分。他那奇异超然的画风，在表现主义绘画中独树一帜。
思索尔最著名的作品，是他1888年所作的。画中描绘的是以为中心的庞大的比利时集市和盛大的狂欢节行列。全画场面宏大，构图纷乱，色彩艳丽。在生涩的红绿黄的色彩中，我们看见嘈杂的人群、快乐的面孑L以及在风中飘荡的小旗。中后景上，头顶神光的基督骑着一头瘦驴，正举手向人群致意。在他的面前是一队头戴圆顶高帽的乐手，正吹着、敲着洋鼓，看上去虽显得虔诚庄重，然而那苍白的面孔、僵硬的姿态及麻木的表情，却恰好暴露了其内心的冷漠。前景的中央，那个肥胖的红鼻子红衣主教，显然是这一狂欢行列的指挥者，他仰天纵情大笑，似乎为自己成功导演了这出狂欢闹剧而洋洋得意。画面上满是离奇荒诞的形象，有的口若血盆，有的形同魔怪。画家以其特有的夸张及辛辣讽刺手法，将其奔放不羁的神奇幻想注入到这一宗教主题。而事实上，他在此所展现的，是一幅活灵活现的人间众生百态图。对于妄想狂的思索尔来说，他所置身的那个社会，是虚假和不真实的，是“恶魔的”，而社会的芸芸众生，则全然是一批充满威胁性的可怕的假面。这是一幅既滑稽可笑又宏伟壮丽的作品。画家以柔美抒情的笔调，使灰白的光亮从耀眼的淡黄及朱红色彩的间隙中透出，使全画具有迷人的魅力。画中的色彩虽然不够协调，却别有一番浓度、光辉和雅致，显示出尼德兰民间绘画的特点。由于此画内容怪诞，1888年它曾被激进的“二十人画会”的联展所拒绝，画家本人也因此被该画会开除会籍。
《最后的晚餐》，诺尔德作
埃米尔诺尔德
埃米尔诺尔德（EmilNolde，）是德国表现主义艺术的先驱。他的艺术典型地体现出德国表现主义追求“内在冲动”渲泄的艺术倾向。他的画注重情感表现，色彩浓重，造型简洁，人物动态强烈。他以激越的情绪所描绘的那些极富戏剧性的高潮场面，充满了神秘感与象征性，渗透着中世纪式的狂迷之情。
诺尔德出生于德国石勒苏盖格的诺尔德，原名埃米尔汉森。1904年起他改用故乡的名字，并以此在画上签名。他起先做过素描教师，1898年起专攻油画，并对印象派画风情有独钟。他以印象派的技法作画，画面色彩明快强烈，呈现出某种神奇的光感与张力。1906年，诺尔德应施密特的邀请加入桥社，然而孤僻的性格使其一年多之后便离开该社团，转而沉迷在他那独特的充满宗教幻想的表现主义艺术天地之中。在创作上，诺尔德认为“没有什么固定的艺术标准。艺术家得根据各自的天性和自己的本能进行创作。”他的很多作品，都充分体现了那种表现“内在需要”的艺术追求。根据赫伯特里德的说法，这种所谓的“内在需要”，即“无言的洞察力，不可名状的直觉，基本的情感，以及所有组成‘精神生活’的东西。”在诺尔德的作品中，最令人关注的是那些宗教题材的画作，这些画构图强烈，笔法豪放，渗透着亢奋、狂热的宗教情绪。而最为显著的，是画中的浓重、耀眼的。诺尔德把色彩当着音符，用以表现画面上那些“相和谐又相抵触的音响和和弦”。在他看来，色彩具有独立性价值，其本身就是“内在需要”的重要的视觉表现因素。他惯以强烈对比的色彩，在画中表现某种奇异的视觉效果，使画面饱含浓重而炽热的感情色彩。
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佳木斯大学社会科学学报
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